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Las 22 puertas del castillo-espejo: III La Sacerdotisa (la carta 2)

Arte

Por: Psicanzuelo - 03/11/2015

Por medio de un análisis exhaustivo de los 22 arcanos del tarot, se intentará darle un sentido al ejercicio cinematográfico como regulador de la percepción de la vida

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Cuando surge así, inopinadamente, ese profundo ahora en cuyo seno se esquivan las sombras desaparecidas se da como incalificable.

                                                                                                         Jacques Abeille

  Sobre los orígenes de los dibujos clásicos de las cartas del Tarot de Marsella, Mayer nos aclara:

En el año 1392, el rey de Francia Carlos VI encargó a Jacques Gringonneur tres juegos de cartas, que el artista decoró con habilidad y belleza. Estas son las cartas del Tarot más antiguas que se han encontrado. La referencia se halla en el libro de cuentas del tesorero del rey de Francia, y de las cartas de Gringonneur se conservan unas 17 en la Biblioteca Nacional de París. 

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La sacerdotisa ocupa el número dos de los triunfos del juego de naipes, un arcano que está en condiciones de poder ver más allá de lo obvio, encontrando lo profundo en los aspectos ocultos de la realidad.

La papisa puede verse como símbolo del principio Yin, o aspecto femenino de la divinidad. Encarna las cualidades de Isis, Ishtar y de Astarté, todas ellas diosas que reinaron sobre los rituales de los misterios de la mujer. En su aspecto espiritualizado aparece como la Virgen María y como Sofía, la Sabiduría Divina. Su número 2 es un número sagrado para todas las divinidades femeninas.

Nos dice Sallie Nichols a resumidas cuentas sobre la papisa, como también se le conoce a este arcano mayor. La misma Nichols también vincula el poder de la mujer en extensión del de la Diosa con cualidades lunares que tienen que ver con su menstruación, como las olas del mar, una cualidad que la hace mucho más consciente del cambio que el sexo masculino.  

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En el clásico del cine hindú La diosa (Satyajit Ray, 1960), Doyamoyee (Sharmila Tagore) una bella joven es reconocida como una reencarnación de la diosa Kali, en un poblado Bengalí. Ella no sabe cómo actuar ante la confusión cuando los devotos acuden a verla, pero es entonces cuando se sucede un milagro. Un niño moribundo es restablecido lleno con vida ante la presencia de Doyamoyee, bajo el altar donde ella está postrada como la diosa encarnada. El milagro desata mas devoción de los feligreses, y Doyamoyee intenta escapar con su esposo que la quiere salvar de la locura; pero al hacerlo comienza a dudar, o más bien a creer ser en realidad Kali, con base en el milagro. La reencarnación de la diosa es una posibilidad, aunque haya dejado de serlo para la mujer actual, desconectada de su naturaleza creadora; siendo esta fuerza creadora de fe, de la que habla Aleister Crowley. Doyamoyee es una diosa, independientemente de que al final de la cinta le espera un trágico desenlace ajusticiada por el cineasta, en lo que acaba siendo una crítica a la religión, por lo menos al fanatismo. Ella siempre fue una diosa, y los milagros se viven a diario aunque no tengan que ser tan dramáticos, siendo su presencia de vital importancia para su comunidad.  

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En su más pura esencia el arcano mayor de la sacerdotisa o la papisa representa el sentido común, el ansiado sano juicio, la infinita sabiduría a la que muchos aspiramos.

 

La sabiduría de Disney

Las vicisitudes de Walt Disney para convencer a P. L. Travers de adaptar su obra  Mary Poppins durante 16 años, quedó registrada recientemente en la comedia hollywoodense El sueño de Walt Disney/Salvando a Mr. Banks (John Lee Hancock, 2013), siendo Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964) una encarnación de este arcano que tanto fascinaba al genial Disney, quien se dedicó en gran parte de su carrera a transferir, encontrando equivalentes animados a  la fuerza de la gran sacerdotisa. Así la figura del hada encantaba a niños y niñas, haciendo posibles las tramas de Pinocho (Norman Ferguson, Wilfred Jackson, 1940), Cenicienta (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, 1950), La bella durmiente (Clyde Geronimi, 1959) etc… También generando este arcano en la mente de diversas generaciones.  

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Recientemente se le dio un giro al arcano en la superproducción de Maléfica (Robert Stromberg, 2014), ya que en su versión inicial en la película de La bella durmiente (Clyde Geronimi, 1959) podría ser el mismo naipe este arcano, pero en un sentido invertido en una tirada. Cuando el arcano aparece invertido en una consulta de Tarot significa egoísmo, intenciones ocultas y perniciosas, hipocresía, fanatismo, avaricia. Curiosamente, en este ejercicio digital encarnado por Angelina Jolie, la fuerza negativa del personaje inicialmente en La bella durmiente se endereza y queda como la sacerdotisa en su sentido puro, revelando el gran poder en la conducta femenina que elige obrar positivamente en su entorno. La presencia de Jolie es adecuada como ha sido usada por el poder mediático: de ser la robaesposos se transformó en una mujer ejemplar que se solidariza con causas tercermundistas sociales y ecológicas, adoptando a cuanto niño desamparado quede en su camino.

Muchas veces en el cine esta figura no es fantástica si no pertenece a la vida cotidiana, Mike Nichols fue un cineasta que usaba el arquetipo para darle una vida inusitada a las películas que dirigía. Por un lado, la típica mujer mayor en un guión que le da el perfecto consejo a la protagonista para salir adelante, podríamos pensar en una cinta que lleva esto al extremo, Postales desde el filo (Mike Nichols, 1990), la película protagonizada por Suzanne Vale (Meryl Streep), quien es actriz de Hollywood y por problemas de adicción severos acaba en una clínica, siendo que por esos mismos problemas ya no consigue trabajo en la industria. Suzanne termina acudiendo con su madre, Doris Mann (Shirley MacLaine), quien curiosamente sufrió un destino parecido gracias a su relación con el alcohol: fue una gran actriz hasta que su alcoholismo la alcanzó. La relación entre ambas resulta cómica por lo complicada que es, y la fuerza de este arcano nace entre las cenizas de su derrota.   

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Por otro lado, Nichols también entiende que este arcano es la figura materna universal que por medio de su sexualidad brinda nueva vida al héroe en su iniciación; pensemos en Mrs. Robinson (Anne Bancroft) de El graduado (Mike Nichols, 1967).   

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La misma Anne Bancroft años más tarde le da vida a Mrs. Kendal en El hombre elefante (David Lynch, 1980), continuando con el arquetipo en la interpretación de Walt Disney, que no es más que una afortunada extensión de los cuentos infantiles medievales en imagen y movimiento. En muy buenas palabras el blog The Fine Art Diner, analizando a Mrs. Kendall en su relación con el deforme John Merrick (John Hurt) en otra iniciación de la diosa con un mortal: 

Ella le da un regalo de su retrato y una copia de Romeo y Julieta de Shakespeare. El regalo del retrato ayuda a John Merrick a trascender su rol como freak de circo al de un artista, como ella se eleva del vaudeville al teatro. La transformación es completa cuando interpretan Romeo y Julieta y ella le dice, tú eres Romeo, que se debe entender en un sentido amplío: John Merrick es la encarnación del alma, profunda y refinada a la que todos los caballeros ingleses deberían aspirar. 

Es un ejemplo que clarifica el poder de la mujer para la iniciación masculina, impulsando su transformación. En el caso de El graduado, Ben (Dustin Hoffman) se convierte en un adulto. 

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La sabiduría ancestral de la diosa

Un arquetipo que trabaja a base de la intuición. Aleister Crowley describiendo el diseño de su carta de este arcano mayor nos dice: “en la parte inferior de la carta se ven formas nacientes, espirales, cristales, semillas y vainas, simbolizando con ello los comienzos de la vida. En medio está el camello que se menciona en el capítulo antes citado. Esta carta contiene el único vínculo entre los mundos arquetípico y formativo”. Y es que Crowley entiende que únicamente  la mujer en su esencia puede unir los mundos arquetípicos y mundanos constituyendo la gran magia.    

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Con respecto a este acercamiento al arcano de la papisa, en 1990 E. Elias Merhige escribe y filma su magnum opus de manera completamente independiente, con una duración de 72 minutos, en material blanco y negro reversible, Begotten. En su forma podría erguirse tras la reconceptualización de Crowley, porque se utilizó una técnica experimental específica, filmando con reversible y luego refotografiando en 16mm blanco y negro, trabajando cada toma elegida en el montaje final con variaciones en filtros de luz en la copia final que le da esta pulsación tan particular, a lo que Merhige se refiere como “pulso etéreo”. Para darse cuenta de la meticulosidad del proceso, tomaba 10 horas refotografiar menos de 1 minuto final. Logrando con estos elementos estéticos Begotten hipnotizó a la audiencia, sacudiéndola en un sentido obtuso por la manera de visualizar un universo arquetípico. Bajo la herencia cinematográfica ocultista, y con la ayuda de una banda sonora recalcitrantemente minimalista, donde los densos ambientes se mezclan con los insectos que pueblan el bosque, en algún momento se escucha algún gramófono perdido entre las sombras. Merhige nos zambulle en una realidad simbólica escalofriante, donde todo es aceptable. 

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Con 4 años dedicados a su creación, según Merhige, Begotten puede ser vista simplemente como un relato sobre una madre, su hijo y su odisea en una extraña tierra donde tienen que enfrentar fuerzas tribales nómadas. En palabras del director: “En Begotten, es mostrado un tiempo que antecede la comunicación oral, la comunicación se ejecuta en un plano sensorial”.

En una cabaña a las orillas del mar, la diosa está amarrada en una silla, se está cercenando el vientre con una filosa navaja, hay sangre por doquier.  

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Desde su interior renace en una figura femenina joven, nueva, hermosa. Por el bosque avanza y camina al encuentro de su hijo, su creación. El sonido de los  grillos circunda el aire, los nómadas vienen por el joven mago que no tiene vida ante la luz brillante de la diosa-sacerdotisa-papisa. Así también esta película nos sirve para comunicar el anterior arcano del mago con el de la papisa; de algún lado tendría que salir este mago al mundo, qué mejor vientre para ello.    

Poco tiempo después el sistema engulle el trabajo sagrado de E. Elias Merhige, quien será siempre recordado como el creador de la imagen de Marilyn Manson en sus videos del aclamado disco Antichrist Superstar. Que no está del todo desconectado, teniendo que ver con otro aspecto de la carta, que también puede representar la homosexualidad del consultante, que en otras épocas ha sido sagrada. Por ejemplo, con respecto al catolicismo, K. Bergman nos dice:

Muchos autores creen que la elevación de María a los altares, así como la costumbre del hábito sacerdotal con faldones largos, se originó en el deseo de la iglesia de asimilar una religión centrada en la figura femenina que persistía desde antes del cristianismo. Si esto es verdad, no sería tanto un indicio de conservadurismo cultural como del poder del arquetipo femenino para mantener su influencia y así triunfar parcialmente sobre la supresión.

Está misma operación de los faldones en los sacerdotes ocurre de otra manera con el glam rock, posesión de eternos femeninos de maquillaje, cabello y vestuario que impresionan gratamente a la audiencia inconscientemente, al admirar dioses afeminados en el escenario. 

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Se puede entender también esta carta en el consultante como el ideal interno femenino que se busca fuera de uno.

Sobre la estética de Merhige, adecuada y vinculada con este arcano, aquí una liga a uno de sus cortos, Din of celestial birds (2006), donde se mira la creación de la diosa, o el mundo como el interior de su vientre, semejando la parte inferior en la carta de Crowley: 

Ms. 45 (Abel Ferrara, 1981) podría representar la agresividad femenina ante una sociedad que le niega su crecimiento como diosa, abusando de ella como si de un objeto común se tratase. Zoë Lund, quien interpretaba a esta oscura sacerdotisa en la mística de Ferrara, murió de una sobredosis después de vivir años de adicción; también puede ser la oscuridad lunar que es parte del arcano. Una artista con tanto que ofrecer termina desperdiciándose. Zoë fue modelo, actriz, intérprete y compositora musical, además de guionista (autora del guión de Teniente corrupto); nada de eso le bastó. 

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En Ms. 45 Thana (Zoë Lund), una mujer muda, es violada dos veces el mismo día por dos hombres distintos, provocando que, armada, exija una violenta venganza con quien se va encontrando a su paso. Una cinta de explotación, con influencia de la exitosa El vengador anónimo (Michael Winner, 1974), que revela la sombra del arcano. 

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Las arrugas de la diosa

En la película Harold y Maud (Hal Ashby, 1971), el joven millonario obsesionado con su propia muerte encuentra en una señora de 70 años el amor, dotando de un sentido a su vida. Es la manera como ella percibe la vida lo que la vincula directamente con la sacerdotisa, enseñándole a vivir al muchacho cada instante, con la conciencia de que ya no regresará. Este tipo de películas son simbólicas de la persona común que se pone en contacto con la sacerdotisa, y vive el cambio espiritual a profundidad en una nueva conciencia.  

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Es el mismo cambio que vive Karen (Ingrid Bergman) en Stromboli (Roberto Rossellini, 1940), al aceptar la energía de su diosa interna. Se casa con Antonio (Mario Vitale) para escapar de un campo de refugiados, para terminar en una isla de pescadores, de nuevo atrapada, y en base a rebeldías intenta dar un sentido a su estancia hasta que el volcán explota, ella queda embarazada y tiene que ir a la fuente de su poder para poder erguirse como creadora de su universo.  

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Fuentes

Bergman, K. Tarot.

Crowley, A. El Libro de Thoth: Breve ensayo sobre el Tarot de los egipcios.

Mayer, H. Cómo predecir el futuro con el Tarot.

Nichols, S. Jung y el Tarot.

http://thefineartdiner.blogspot.mx/2011/09/ugly-face-of-british-imperialism.html

 

Twitter del autor: @psicanzuelo

También en Pijama Surf: Las 22 puertas del castillo-espejo: II El Mago (la carta 1)

Huckleberry Finn, un muchacho 130 años a la deriva

Arte

Por: Adolfo Cordova - 03/11/2015

Celebrando 130 años del libro que Hemingway consideraba era el mejor de la historia de la literatura estadounidense: "Las aventuras de Huckleberry Finn"

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Cuando se encienden las luces los actores se miran y se descubren en harapos. Entonces sacan de un baúl algunas prendas para vestirse mejor. No es para menos: han de recibir a un joven de 130 años, Huckleberry Finn. El gran Huck, o Joc, para los amigos.

Hace 130 años se publicó por primera vez en Estados Unidos Las aventuras de Huckleberry Finn, secuela de Las aventuras de Tom Sawyer, considerada la obra maestra de Mark Twain. Este fin de semana cierra temporada la primera adaptación teatral que se presenta en México: A la deriva, Joc.

Los actores sacan, poco a poco, un pequeño títere. Luego un sombrerito de paja y una pipa. Joc los mira. Está listo para empezar su viaje, dejará a Tom Sawyer, crecerá, se librará del yugo de dos señoritas conservadoras y de su padre alcohólico.

La novela de Twain, libro paradigmático de la literatura infantil y juvenil, es una de las narraciones de aventuras más elogiadas en la historia de la literatura. Para muchos, una obra fundacional de la literatura en América. T. S. Eliot, Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Norman Mailer y Roberto Bolaño fueron algunos de sus principales seguidores.

"Todos los novelistas americanos, incluidos los autores de lengua española, en algún momento de su vida consiguen vislumbrar dos libros recortados en el horizonte, que son dos caminos, dos estructuras y sobre todo dos argumentos. En ocasiones, dos destinos. Uno es Moby Dick, de Melville, el otro es Las aventuras de Huckleberry Finn, de Mark Twain", escribió Roberto Bolaño.

En escena, brilla la expresividad en el rostro del muñeco Joc, un títere creado por Iker Vicente, también lector apasionado de Las aventuras de Huckleberry Finn. Primero fue el títere, después el montaje teatral. La pareja de Iker, la directora y actriz Jacqueline Serafín, veía el títere mirarla y enfrentó el reto de adaptar la novela de más de 300 páginas. Joc, al fin, navegaría en un teatro mexicano. 

Para acompañar su viaje, Iker construyó a un Jim, el esclavo y amigo de Joc, mitad muñeco y mitad actor. El títere se trepa al cuerpo del actor, con quien comparte las piernas. Su tronco está hecho con el fuelle de un acordeón que simula una camisa de rayas, sus brazos son como dos cortezas de árbol y su rostro en madera tallada refleja la avidez y la tristeza de los esclavos.

Roberto Bolaño hubiera brindado con Hemingway, quien afirmó en 1934 que ese era el mejor libro que tenían los estadounidenses: “Toda la literatura moderna de Estados Unidos proviene de un solo libro de Mark Twain llamado Huckleberry Finn (…). Antes de él no había nada. Después no ha habido nada tan bueno”.

Un músico toca en vivo una concertina y un kazoo, pero además, también Iker construyó dos instrumentos especiales a pedido del músico y colaborador en el montaje, Jesús Díaz: una gran lata de galletas con una tabla y un alambre a modo de cuerda, y una guitarra hecha con una caja de puros amplificada. Así tocaban también, con lo que había, improvisando instrumentos, los afroamericanos que crearon el blues.

En 1984, a propósito de los 100 años de publicado Huckleberry Finn, Norman Mailer escribió que sentía que había leído la obra de un joven escritor “prodigiosamente talentoso (…) que había tenido la audacia de escribir una novela (…) para ofrecernos un espectáculo de virtuosismo narrativo”. Y añadió: “En casi todos los capítulos surgían de las páginas nuevos y sorprendentes personajes (…). Parecía que era capaz de lidiar con todos los hombres y mujeres que puso Dios en la mitad de Estados Unidos”. Y Mailer recuerda en ese mismo artículo los halagos de T. S. Eliot: “una obra maestra… el genio de Twain completamente realizado”.

Al teatro

hcuk2En A la deriva, Joc, que cierra temporada este 28 y 29 de marzo en el Teatro Sergio Magaña, Serafín mantiene, con una sensibilidad bien calibrada, esa mezcla de humor, crudeza e inocencia que propuso Twain, en un espacio dinámico que juega con luces, música y manipulación de títeres. 

No edulcora las duras pruebas que han de pasar Joc y su amigo, Jim, como es habitual en las obras dirigidas a niños y jóvenes. 

"Lo más difícil fue lograr contar lo esencial de la historia de Huckleberry en 75 minutos, y el uso del lenguaje. La novela es famosa también por la forma en la que está escrita usando dialectos y modismos de aquella época. No nos importaba tanto que se diferenciara esto, pero sí la peculiar forma de hablar de Huckleberry".

A Serafín también le importaba lograr maridar la animación de los títeres y objetos con el texto. Y el ritmo: que los actores jugaran, se divirtieran.

"Cuando esto pasa, la obra es divertida y sorprendente, cuando se angustian por el tiempo y la cantidad de objetos que hay que mover, la obra se hace larga, complicada y se cae el ritmo", comparte la directora.

Además destacó el mundo visual y sonoro que se genera, mérito de los colaboradores, dice: Jerildy Bosch (vestuario), Iker Vicente (títeres y espacio), Alain Kerrieu (iluminación, video y espacio), Jesús Díaz (diseño sonoro) y Sara Ramos (iluminación).

La novela es, además, un texto modelo del género de aventuras que dio lugar, en el cine, a un nuevo género: las road movies, según explica la especialista Teresa Colomer. Mailer también dijo que la influencia de la novela era notoria en autores como Faulkner, Vonnegut, Heller y Salinger, y más: en las comedias hollywoodenses e incluso en ciertos manierismos adoptados por estrellas de cine como John Wayne. John Wayne copiando a Huckleberry Finn.

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El viaje, en el teatro, termina con alegría y saltos de los actores: Bernardo Gamboa, Ermis Cruz y Diego Santana; el músico: Jesús Díaz o Aarón Govea; los títeres: unos Joc y Jim libres; y el público, de todas edades, pero principalmente niños y niñas.  

Han visto, del libro al escenario, una historia que lleva 130 años haciendo y deshaciendo imágenes de travesía y aventura que compartimos, aunque ignoremos que ese imaginario bajó con el río, con un muchacho, a la deriva.
  

A la deriva Joc
Teatro Sergio Magaña
28 y 29 de marzo a las 13:00
130 pesos

Fotos de Óscar García

Twitter del autor: @cordovadolfo

Blog del autor: http://linternasybosques.com