*

X
Sobre la relación de ironía y afecto entre Errol Morris y Werner Herzog (quien se tuvo que comer sus palabras comiéndose un zapato) y las dificultades de mantenerse alejado de la publicidad.

Picture 350

 

Entre las rarezas de Errol Morris está su cuenta de Twitter. Tiene más de 44 mil seguidores, pero él no sigue a nadie. Lleva casi tres mil twits. Ignoro si haya otro ejemplo como él, que usa la plataforma sólo para comunicar, sin presencia alguna en su línea de tiempo. Cuando escribía este texto, su twit más reciente era: "Mis rezos a Mammon han sido contestados. (Dirigiré un comercial para el Super Bowl)."

Su amistad con Werner Herzog es una de las leyendas más finas de nuestro tiempo. Se conocieron cuando Herzog era ya un cineasta reconocido, Morris aún daba pasos inciertos hacia la escritura de un libro y tenía pendiente una investigación sobre Ed Gein, el asesino serial en el que está basada la trama de Psycho. Morris sostenía que, debido a la fijación que tenía por su madre, Gein había desenterrado su cuerpo, y por ende la tumba estaba vacía. Herzog le ofreció su ayuda para ir al cementerio y comprobarlo, sin ningún permiso. Herzog llegó, pero Morris no. Poco después Herzog dijo que el día que Morris terminara una película se comería su zapato, lo cual sucedió en 1978 con Gates of Heaven. Herzog cumplió su promesa, y Les Blank, el documentalista que también filmó Burden of Dreams, hizo el cortometraje correspondiente: Werner Herzog Eats His Shoe.

Hay un resumen que incluye estas palabras de Herzog:

Prender la televisión es simplemente ridículo y perturbador. Nos mata. Los talk shows van a matar nuestro lenguaje. Entonces tenemos que declarar guerra santa a lo que vemos todos los días en la televisión. Comerciales. Creo que debería haber una guerra real en contra de los comerciales, guerra real en contra de los talk shows.

Morris ha dirigido alrededor de mil comerciales para televisión. No deja de ser irónico que Herzog haya defendido el cine de Morris usando palabras como "guerra en contra de", para que años más tarde Morris dedique buena parte de su tiempo a eso. Es posible argumentar que Morris no tiene por qué hacerle caso a un excéntrico. Él ni siquiera sale en el cortometraje de Les Blank, no estuvo presente cuando Herzog se comió su zapato en su honor, y nunca dijo que formaría parte de esa supuesta guerra. Las palabras de Herzog no deberían de atarlo a nada, sin embargo hay una cuestión ética en esta coyuntura y esta contradicción.

Por otra parte, la filmografía de Morris es genial, una colección exquisita de personajes raros o incomprendidos que a través de su cámara le hablan a la posteridad. Además, desde 2007 escribe para el New York Times, y su libro Believing Is Seeing deja en claro la profundidad de su manera de observar el mundo y las imágenes que produce.

Morris podría decir en su defensa, si esto fuera un juicio, que está librando la guerra anunciada por Herzog pero desde adentro. ¿Sus comerciales son mejores que los demás? ¿Existe tal cosa como un 'buen' comercial en términos éticos? Gran parte de los directores de cine del mundo hacen comerciales publicitarios, pero no todos. David Lynch los hace, Jean-Luc Godard no. Mantenerse alejado del mundo de la publicidad es cada vez más difícil en un mundo que reclama ganancias inmediatas y muchas ventas. Morris también hizo una serie para la televisión: First Person, similar a su películas. En este caso, se podría decir que esa serie mejoró el contenido de la televisión, que de alguna forma profundizó la programación del canal en el que salió. El caso de los comerciales es más complejo. No creo que ningún comercial mejore nada, sino todo lo contrario (una opinión que comparto con Bill Hicks).

Morris está orgulloso de su carrera como director de comerciales. Sería interesante escuchar a Herzog más de treinta años después de haberse comido su zapato. ¿Qué opinión tendría sobre el hecho de que Morris está ansioso por dirigir un comercial para el Super Bowl?

Este es un fragmento de Conquista de lo inútil, el diario que Herzog escribió durante los años que le tomó hacer Fitzcarraldo:

San Francisco fue desagradable, me sentí por completo fuera de lugar, sobre todo en Broadway House. Errol Morris sufrió aún más, porque su hostilidad subliminal contra las promesas vacías de Coppola sale a la luz con mayor frecuencia. Además estaba intranquilo, hasta el extremo del pánico total, por su historia sobre el pequeño lugar en Florida [...]. Como siempre, Errol tiene mucho material, pero no consigue ordenar su historia.

Después de Vernon, Florida, el largometraje del que habla Herzog, Morris pasó siete años sin filmar. No consiguió apoyo financiero para sus proyectos cinematográficos, y se vio forzado a trabajar como detective privado. Seguramente Morris prefiere dirigir un comercial de Best Buy que ahogarse de nuevo en un oficio que no es de su agrado. Su postura es que a fin de cuentas todas son imágenes, sin embargo hay imágenes al servicio del dinero y hay imágenes al servicio de la humanidad. Casi siempre son imágenes opuestas.

Twitter del autor: @jpriveroll

 

Te podría interesar:

5 artistas digitales que estimulan la creatividad contemporánea

Arte

Por: pijamasurf - 01/09/2014

Un recuento de la vanguardia del arte digital de nuestro tiempo: artistas multidisciplinarios que han incorporado la tecnología a la reflexión creativa.

El arte digital es una expresión del arte contemporáneo que de algún modo se volvió inevitable cuando la tecnología se convirtió en una presencia constante de la vida cotidiana. De pronto eso que identificamos como propio del desarrollo tecnológico —los gadgets, los aparatos electrónicos, la transformación radical de objetos que creíamos familiares (la televisión, la cámara fotográfica, etc.)— se transformó en una suerte de prótesis de la existencia, una herramienta indispensable. Y con semejante penetración, el arte, que desde siempre ha tenido el propósito de interrogar los fenómenos de la vida, de colocarlos bajo la luz de la reflexión para preguntar sus causas y sus consecuencias, también tomó la tecnología y la incorporó a sus discursos, la convirtió en materia prima de sus obras y en partícipe de sus proyectos.

Hoy la creatividad está de fiesta. Dificil imaginar un momento histórico en el cual la creatividad, como un discurso de vida, haya sido más valorado que en la actualidad. La eufórica cantidad de información disponible, aunado al surgimiento de instrumentos tecnológicos para canalizar la expresividad, hacen de estos tiempos un momento ideal para entablar una relación proactiva con el arte. Por ejemplo, al recorrer la cotidianidad con un teléfono como el Windows Phone Nokia Lumia 925, dotado con, entre otras múltiples herramientas, una cámara capaz de capturar fotos y videos de notable calidad, ya sea de día o noche, e incluso tomar fotografías en movimiento como a un gimnasta o clavadista para no perder ningún ángulo, resulta más fácil que nunca en la historia humana responder a ese espontáneo llamado del “yo creativo”.   

Con fines explícitamente inspiracionales, a continuación te compartimos una selección de artistas cuyo discurso digital resulta deleitante; individuos y colectivos que malabarean con las fronteras del arte y la tecnología, para generar exquisitas formas de comunicación para el disfrute de todos nosotros.

 

Resonance

Resonance es un colectivo multidisciplinario que agrupa a artistas independientes de primera línea como Esteban Diacono, Heerko Groefsema, Onur Senturk (de quien hablaremos a continuación), Thiago Maia y los estudios Audionerve, CypherAudio y Combustion en el audio, entre otros. En términos generales, Resonance convierte la geometría y el sonido en materia de la creación, haciéndolos dialogar en un entorno vertiginoso en el que los patrones —tanto espaciales como auditivos— se mezclan y se confunden en una dialéctica creativa de resultados inesperados.

 

 

Onur Senturk

Uno de los mejores exponentes y pioneros del “motion design”, “diseño en movimiento”, el turco Onur Senturk ha hecho del diseño un ejercicio multidisciplinario en el que por medio de símbolos y formas que por momentos parecen arquetípicas, fragmenta la realidad para recomponerla después en efectos que conmueven e inquietan.

 

 

United Visual Artists

Desde 2003, año en que se conformó, el colectivo United Visual Artists (UVA) es uno de los referentes imprescindibles del arte digital, el cual ejerce en distintas manifestaciones: la escultura, la instalación, el performance y la arquitectura. Además de la incorporación de tecnologías como el mapping, la iluminación LED y la escultura quinética, UVA es un proyecto abierto a la colaboración y la creación grupal.

 

 

 

Ryoichi Kurokawa

El complejo imaginario del japonés Ryoichi Kurokawa deviene en creaciones multimedia que en cierto sentido no se parecen a nada más. Psique, sensación y experiencia confluyen en la elegancia del estilo creativo de Kurokawa, en el cual se trascienden los cánones de formas estéticas tradicionales en la búsqueda de esa originalidad que nos lleva a la reflexión sobre los límites de la realidad establecida.

 

 

Ryoji Ikeda

Tratar con el sonido en estado “crudo”: ésa es la consigna de Ryoji Ikeda, artista sonoro japonés que reside en París y que explora las posibilidades reflexivas de los beats y los ritmos, los silencios, los tonos y eso que a veces cómodamente encasillamos en la categoría del “ruido”, y explora a su vez la relación del sonido con su medio ineludible: el espacio. La pieza “test pattern [100 m version]”, por ejemplo, está construida en torno a la distorsión y el monocratismo como efectos de nuestra percepción y de nuestro propio movimiento: una suerte de avatar contemporáneo del estatismo de Parménides convertido en instalación artística.